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El tiempo que dura el reinado de un Rey asciende y desciende como el sol
«El Rey León» es un musical basado en la película homónima de Disney de 1994, con libreto de Roger Allers e Irene Mecchi, canciones de Elton John y Tim Rice, y música adicional de Lebo M, Mark Mancina, Jay Rifkin, Julie Taymor y Hans Zimmer. Dirigido por Julie Taymor, el espectáculo está producido por Disney Theatrical y se caracteriza por el empleo de máscaras de animales y marionetas de gran tamaño para representar a los diferentes personajes.
La producción original de Broadway se estrenó en 1997 y desde entonces el musical ha sido puesto en escena en numerosos países a lo largo de todo el mundo con un éxito imparable: más de setenta millones de personas en todo el mundo han podido ver este impresionante espectáculo, que además se ha presentado en todos los continentes, menos la Antártida y se ha traducido a ocho idiomas.
Desde que el famoso filme se adaptó para teatro hace más de veintitrés años El Rey León es el musical con mayor permanencia en cartel en Madrid y es la producción de entretenimiento más taquillera de la historia.
Julie Taymor es una directora, guionista y dramaturga norteamericana, nacida el 15 de diciembre de 1952, en Newton, Massachusetts.
Desde niña tuvo interés en el teatro y a los diez años formaba parte del Boston Children’s Theatre, siendo la integrante más joven, donde participó en varias producciones infantiles.
A los dieciseis años, Taymor se mudó a París, donde estudió en la École Internationale de théatre Jacques Lecoq, donde empezó a influenciarse con las obras de Fellini y Kurosawa.
Graduada del Oberlin College, Julie obtuvo una beca que impulsaba la creatividad de los estudiantes que la llevó a Japón e Indonesia, donde desarrolló estilos de baile con máscaras.
Al regresar a Nueva York, empezó a planear sus propias obras de teatro, muchas de las cuales dirigía, escribía, producía y protagonizaba, abriéndose paso entre el competido mundo del teatro neoyorquino y convirtiéndose en una de las directoras más respetadas de la escena, logrando uno de sus mayores logros con la puesta en escena de El Rey León, en 1997, ganando el premio Tony como mejor directora.
La flauta mágica, dirigida y producida por Julie Taylor, así como la creación de las marionetas y trajes.
Daría el salto al cine, debutando, como directora, con la cinta Titus (1999), siguiendo con las aclamadas Frida (2002) y A través del universo (2007). Recientemente, estrenó su más reciente largometraje, The Glorias (2020), en el Festival de Cine de Sundance.
¡Hakuna Matata!
Podríamos decir que el vestuario del musical de Rey León es la esencia más profunda de África.
Para el equipo de producción era realmente importante la combinación de diferentes materiales naturales como sedas, algodones, arpilleras, lonetas, cuerda… inspirados en la sudáfrica tribal con todas sus ramas y en pueblos de Indonesia y Asia con la finalidad de enseñarnos las raíces de estas etnias y que podamos aprender de todo ello.
A menudo, los materiales naturales son combinados con algunos más sintéticos para lograr una mayor resistencia, y la gama de colores, inspirada en la tierra, oscila entre naranjas, ocres y marrones, jugando con el maquillaje de cada actor.
Para recrear los personajes del Rey León, Taymor se basó en la gran experiencia que tuvo viajando por Asia, incorporando elementos del Wayang Kulit*, así como del Bunraku*
El Wayang Kulit es el teatro representado por títeres de sombras de manera tradicional tanto en Indonesia como en Malasia.
*En el Bunraku tradicional japonés los artistas son visibles para el público mientras controlan grandes figuras (en ocasiones de hasta metro y medio) a la vez que un narrador cuenta la historia. De esta manera, a través de sus movimientos y sus gestos, se alcanza una gran expresividad. El espectador puede por tanto concentrarse en la habilidad del artista, en la historia o, con un poco de suerte, ambas percepciones se encauzan en una sola dando un resultado mágico. A esta comunión en el escenario es a lo que la directora Julie Taymor se refiere siempre como “doble acontecimiento¨
Aplicando esta técnica del doble acontecimiento, Julie Taymor busca que el actor no se esconda detrás de la máscara, sino que el espectador elija si quiere ver al actor o la máscara. De esta manera los personajes tienen un elemento humano y un elemento animal. Ninguno de los dos tiene la intención de eclipsar al otro, y ambos se usan para mostrar diferentes lados del personaje.
GESTION Y MANTENIMIENTO DEL VESTUARIO
1. El equipo de Julie crea las marionetas y vestuario originales. Cuatro personas de ese equipo viajan a tiempo completo con el show y seleccionan quince técnicos locales como principales responsables del vestuario durante la estancia del musical en esa ciudad.
2. Los responsables de marionetas y textiles se encargan de las reparaciones de las mismas y deben quedar de la manera exacta a como fueron creadas. El equipo de vestuario de España tiene una lista de arreglos permitidos para sus trajes y cómo deben hacerse de manera precisa, en el caso de que se dañen más allá de esos arreglos permitidos se reporta al proveedor y este te manda los materiales pertinentes o la pieza realizada de nuevo, según el caso.
3. Cada vez que se realiza un traje nuevo, se realiza a la medida del actor que lo va a llevar.
Cuando el show se traslada de ciudad, si el traje está todavía en buen estado se reutiliza y se adapta a las medidas del nuevo actor, proceso que puede llevar semanas o incluso meses.
Siempre se busca mejorar los trajes en cuanto a cómo el casting los lleva puestos, pero también en términos de mantenimiento, en un show tan intenso, repleto de coreografías y movimiento, básicamente hay que tener todo listo para salir al escenario y que salga todo perfecto.
4. En lo que respecta al mantenimiento, lo más habitual son cremalleras rotas o rasgados. Suelen repararlo durante la función y luego se baja al taller para arreglarlo en condiciones. La lavandería se hace a diario con las prendas que van en contacto con la piel y el resto del vestuario tiene un calendario de lavado semanal. Lo más delicado, como las sedas, se lleva a la tintorería.
EL VESTUARIO EN CIFRAS
Algunos de los ejemplos más perfectos de este «doble evento» que comentábamos antes se pueden ver en los hermanos Mufasa y Scar.
Estos dos personajes son los únicos que tienen máscaras mecánicas: La cara puede moverse de adelante hacia atrás y hacia arriba y hacia abajo, y es operada por palancas sostenidas en la mano de los artistas, mientras que los motores están ocultos en su atuendo.
Ficha técnica de la máscara de Scar – Julie Taymor
Cada máscara y marioneta del show tiene sus propias características, pero todas llevan materiales naturales, pinturas al agua y el pantone exacto que marca Disney.
Como resultado, los actores tienden a formar una relación íntima con la mecánica de su personaje, manipulandolos de tal manera que acentúan su actuación y desarrollen movimientos y gestos únicos.
El personaje de Mufasa fue el primero que diseñó Julie Taymor.
Es un personaje fuerte pero a la vez muy sensible,con mucha bondad, siempre intenta hacer mejor a los personajes que comparten escena con el. Es muy respetado y amado por su pueblo.
Para su desarrollo se inspiró en la fuerza de los leones y en los ropajes y el corsé de cuerdas tradicionales de los guerreros masái.
El peinado y maquillaje de Mufasa se basa en la tribu Samburu:
Los Samburu son una tribu del norte de Kenia que se dedica principalmente al pastoreo de camellos, ovejas y cabras, Antiguamente pertenecían a los Masais y de hecho, hoy en día, aún disponen de un lenguaje y costumbres casi idénticos.
Para vestirse se coloca un body sobre unas mallas de ciclista. Es un body de lycra pintado a laser, sobre este va colocado el pantalón con detalles geométricos, que cierra con cremallera y se sujeta con tirantes cruzados y estampados y calza unos botines de cuero marrón.
El mecanismo de la máscara va abrochado en la cintura pasando por dentro de la manga. La maneja con la mano izda.
Lleva también un casco-peluca, que va sujeto con una pieza de goma del mismo color que el maquillaje de su cara, con un automático grande
El collar, de un material gomoso lleva el corpiño de cuerdas sujeto con una banda elástica.
El mecanismo de la máscara se le sujeta a la cintura con un cierre de mochila
Las mangas del body se sujetan en el dedo anular con una goma elástica de color piel.
El mecanismo de la mascara va sujeto con el motor en la cintura, en la parte baja de la espalda, y el mecanismo sube por la peluca, luego le ponen la máscara, y el técnico de turno ensambla la máscara con el mecanismo
La máscara de Mufasa es a la vez su corona.
Tiene unas proporciones muy simétricas porque representa el orden y el equilibrio del personaje. Su diseño está pensado para parecer fuerte, saludable y poderoso, y su aspecto circular junto a su melena hace eco de la apariencia de un sol naciente.
Está realizada en fibra de carbono pero tiene aspecto de máscara tallada en madera de roble para reflejar su nobleza. Pesa aproximadamente unos ochocientos gramos.
La melena, está realizada con madera de balsa y con plumas de pavo real quemadas y blanqueadas. Solo en montar esta corona se tardan ocho horas.
Es muy característico el momento en que Mufasa está en su punto más humano, hablando con su heredero Simba.
En el momento en que Zazú y Nala desaparecen de escena, Mufasa llega tan lejos como para quitarse la máscara-corona por completo, lo que representa la tierna relación humana que tienen el padre y el hijo.
Scar es uno de los personajes más complicados por la cantidad de mecanismos que lleva y las capas de traje: mono interior, body, pantalones, corsé y espaldera y adornos, unas diez piezas aparte del cableado.
Su traje en sí consiste en un leotardo de cuerpo completo que usa debajo de un corsé ajustado e incluye botas de cuero y una cola.
La superficie del cuerpo naranja está impresa digitalmente con unos diseños geométricos en color negro, inspirados directamente en los estampados textiles de Kuba*
El Reino de Kuba, también conocido como el Reino de Bakuba o Bushongo, es un Reino de África Central. El reino de Kuba floreció entre los siglos XVII y XIX en la región sureste de la actual República Democrática del Congo
Sobre ese leotardo estampado, el actor lleva unos pantalones que han sido realizados con piezas de cuero angulosas, pespunteadas y en la parte superior lleva un corsé y unos ribetes de cuero rígido en brazos y manos, creando un efecto de ‘jaula’ sobre el actor.
El traje entero pesa aproximadamente unos doce kilos y el actor tarda unos quince minutos en vestirse, necesitando además dos asistentes para poder hacerlo.
Scar es un personaje que, al contrario que Mufasa, es de aspecto físico débil, cojea, no camina erguido. Sin embargo es de mente fuerte e inteligencia aguda:
«En la inteligencia yo tengo la parte del león, pero en la fuerza bruta creo que no recibí buena herencia».
Por eso mismo, la máscara de Scar es asimétrica y tratada con aspecto de barro para reflejar su vulnerabilidad desequilibrada. Cada compañía del Rey León en el mundo mantiene al menos dos máscaras de Scar, algunas incluso hasta seis.
La máscara mide 66 cm en vertical y 48 cm en horizontal y pesa unos 460 gramos.
El pelo de Scar está realizado con plumas de pavo, cubiertas con gasa de estopilla cortada a la medida y pintadas a mano.
Simba es el personaje que más varía. Como la estrella del espectáculo, vemos a Simba crecer de bebé a león adulto, cada etapa está representada por un tipo diferente de marioneta y estilo de actuación.
Durante la evolución de Simba se han utilizado tres marionetas y, a parte, dos actores:
1.- Simba bebé.
Realizado en espuma rígida forrada de punto al que se le ha añadido una capa de cola, y cuando ésta seca se le realiza el trabajo de pintura.
Este muñeco es articulado: los brazos superiores se mueven empujando con los dedos índices en las axilas, y además dispone de dos palancas en la parte posterior, una hace mover una pata trasera y gira la cabeza a la vez y la otra mueve la otra pata trasera.
2.- Simba cachorro.
En este caso vemos una marioneta un poco más desarrollada. Este muñeco lo encontramos ya en las llanuras, y es manejado por un bailarín.
La cabeza va sujeta a una vara con la que el actor puede moverla para mirar hacia los lados, y al final de esa vara, un mecanismo articula el movimiento de las patitas del cachorro.
3.- Marioneta de sombras.
Esta marioneta se manipula nada menos que por cinco personas. Dos de ellas sujetan en sí la marioneta, otra maneja la cabeza y las patas delanteras, la cuarta maneja las patas traseras y la cola, y por último, la quinta es la que alumbra desde atrás para crear el efecto de sombras.
4.- Simba niño.
Aquí ya vemos a Simba representado por un actor, con unos pantalones muy similares a los de Mufasa, tanto en forma como en estampado.
Empezamos a verle usar un corsé de chaquiras, con la espalda ligeramente subida, como veremos también después en el Simba adulto, lleva el torso desnudo con maquillaje rojo en el cuello y hombros, pero es solo un indicio del maquillaje que le vemos ya de adulto, como referencia a una incipiente melena de león.
5.- Simba Adulto
Después de encontrarse con Timon y Pumba Simba se vuelve adulto.
El actor ya lleva una mascara, parecida en cierto modo a la de su padre Mufasa, pero sin acabar (la máscara de mufasa tiene el hocico completo y Simba, aún no) ya que quiere mostrar la todavía juventud del personaje y su estado de desarrollo hacia la madurez.
Para el diseño de esta máscara, el equipo de Julie se inspiró en las crestas de los cascos legionarios romanos
La imagen de Simba necesita mostrar una apariencia muy acicalada de modo que la máscara requiere un acabado muy suave, con aspecto de madera natural.
Para ello trabajan la pintura a mano, aplicando numerosas capas finas, una sobre otra con una esponja, a golpecitos suaves, del mismo modo que se aplica el maquillaje. Empezando por los colores más claros, y después continuando hacia los oscuros para darle profundidad para acabar con los detalles de los laterales, en negro, cuya dificultad radica en hacer las lineas lo mas rectas posibles.
Después se cosen también a mano, una a una las varillas con los mechones de pelo que forman la melena, realizados con crines de caballo y una vez estan bien sujetos, se adhieren las pequeñas piezas de cuero que rematan la máscara.
En todo el mundo solo hay treinta y dos máscaras como esta, y cada una de ellas pesa menos de quinientos gramos, lo que es aproximadamente el mismo peso que un balón de fútbol y cada una de ellas conlleva unas treinta y cuatro horas de trabajo.
Las máscaras de simba, como la del resto de protagonistas, está realizada en fibra de carbono. Una vez que las máscaras salen en bruto del molde, se le da una capa de imprimación, y entonces se comienzan a desarrollar las primeras capas.
El corsé está trabajado con conchas y chaquiras rojas y amarillas. Igual que anteriormente, cuando era niño, su corsé tiene la espalda ligeramente subida, pero no tanto como Nala, y se abrocha en el centro delantero con una cremallera.
Simba no lleva mono de leotardo debajo de sus ropas, sino que sigue con el torso desnudo.
El personaje de Nala es fuerte y valiente, rasgos que veremos reflejados en su ropaje y máscara.
La máscara de Nala, está realizada en fibra de carbono y da la apariencia de ser de piedra en tonos gris y verde, en contrapunto con las máscaras de las demás leonas, que son de color marrón más neutro, para mostrarnos la dureza y el poder de este personaje, que se ve obligado a hacerse cargo de la manada.
Su corsé es muy similar al de Simba, pero en la parte trasera tiene una espaldera, también de chaquiras, que sube hasta la cabeza. Debajo un mono de leotardo con tonos geométrico-tribales en tonos marrones y dorados.
El collar es de un material gomoso y cierra con velcro en la espalda, y el centro delantero interior lleva una banda elástica que finaliza en un corchete el cual sujeta en el mono elástico, evitando que el collar se gire o moleste al bailar.
El maquillaje de Nala está basado en los Wodaabe, un grupo étnico de África Central.
Hay doce leonas en el show y cada una de ellas tiene tanto en sus máscaras como en sus trajes un diseño tribal único, pintado a mano, que no se repite en el resto de leonas.
Los bodies de las leonas en algunas escenas son monos pintados a mano: Llegan a España los lienzos pintados y así el equipo del país corta el patrón ya definido y lo monta.
Los velos de las leonas están realizados en seda, para ganar movimiento durante el baile,
Los pantalones son de tipo baggy, holgados, y ajustan en los pies con sus tobilleras. No llevan ningún tipo de calzado, salen descalzas.
Durante la muerte de mufasa, las leonas lloran, las lágrimas de las leonas están realizadas con piezas de seda cortadas a mano.
En este momento las actrices llevan una máscara triste, con los ojos cerrados, diferente a la que vemos en las escenas de caza, donde tienen los ojos abiertos y mirada atenta.
LOS CORSÉS
Todos los corsés tienen seis paneles: dos delante, dos laterales y dos de espalda. La prenda, al igual que los collares, está realizado enteramente de alambre, y en ese alambre lleva insertadas un montón de chaquiras con un patrón definido por el equipo de Julie.
Tanto el corsé como el collar de las leonas abrochan en centro espalda.
El equipo de vestuario dispone de un mueble con 152 tipos diferentes de chaquiras diferentes, algunos materiales que utilizan para estas pequeñas cuentas son: madera, cristal, hueso, conchas, piedras semipreciosas.
Muchas veces cuando actúan con el movimiento de las coreografías se les caen algunos alambres o algunas chaquiras, para arreglarlo, la persona encargada del mantenimiento de esa prenda debe buscar entre los 152 tipos las piedras exactas que había en esos huecos y coserlas en el mismo orden exacto que estaban las anteriores para que no varíe en absoluto el patrón del dibujo
Para confeccionar cada corset de chaquiras se ha tardado dos días, cada producción tiene veintidós corsés.
Las cuentas de los corsés y de los collares se repasan dos veces por semana para evitar que puedan desprenderse durante la función.
El personaje de Zazú es la personificación de la disciplina, la corrección, y la dignidad.
Es el mayordomo del rey, y se representa como un Toco, que es un pájaro que puede vivir muchos años. De esta manera, podríamos decir que estamos ante la voz de la experiencia.
Zazú es la única marioneta de mano y además la más complicada de todo el espectáculo: el muñeco apoya sobre el mecanismo situado entre las patas del personaje, que maneja el actor con la mano izquierda, este mecanismo se ocupa de abrir y cerrar las alas desplazando una pequeña palanca hacia abajo.
Mientras, con la mano derecha se maneja el otro sistema de movimiento, que tiene aspecto de pistola y dispone de varios gatillos: con el pulgar en la anilla trasera, se abren y cierran los ojos, con el dedo corazón en el gatillo del mango el personaje mueve el pico cada vez que habla y cuando el actor desliza el brazo, el cuello del pájaro se moviliza hacia arriba o hacia atrás.
El muñeco pesa dos kilos, está realizado con una estructura interna de acero y el mantenimiento es bastante delicado, de manera que se dispone de un muñeco de repuesto por si sucede algún contratiempo.
El actor va vestido como un mayordomo británico, con un frac azul realizado en tejido del algodón teñido en azul intenso y estampado con puntos blancos de inspiración africana.
El color no ha sido elegido de forma casual sino que representa el cielo y el acto de volar.
La cola del frac se desliza hacia atrás, como si fueran las plumas del ave y el bombín trenzado le da un toque de humor británico.
El personaje Zazú está inspirado en el Toco Piquirrojo, un pájaro cuyo hábitat se encuentra en los bosques del África subsahariana.
El actor que da vida a Timón, viste de verde en la obra porque representa la jungla y se mimetiza bien con la escenografía donde aparece, rodeado de árboles y plantas selváticas.
Timón es un suricata, tiene que ser inquieto y rápido. Por ello la mejor forma de hacerlo es moviendo el títere con unas barras en los codos de Timón y con los pies del actor sujetos a los pies del personaje
Pumba se presenta como el traje más pesado de la compañía con 20 kilos en total.
En el caso de este personaje, cada vez que sale a escena todo el equipo debe respetar al extremo la coreografía de movimientos tanto en el escenario como en el backstage debido al gran tamaño que tiene.
A la hora de vestirse, el actor necesitaba de tres técnicos que le colocaran un gran armazón de hierro, en el que después se ensambla la cabeza, que está realizada en goma espuma, para aligerar, y por último se le coloca la parte trasera, que es también una estructura de metal.
El actor lleva unos pantalones que simulan las patas delanteras y el resto del traje, este armazón que hemos comentado, descansa sobre sus hombros y espalda con unos tirantes.
Las diferentes piezas del armazón van sujetas a las piernas y a los brazos, para mover los ojos, la boca y la nariz del personaje utiliza una mano, y para mover las patas traseras utiliza la otra mano.
Tuvieron que dar muchas lecciones tanto él como el personaje de Zazú, con un marionetista profesional, para poder mantener la misma postura durante tanto tiempo con esos pesos que manejaban sobre su espalda y brazo respectivamente.
El personaje de Pumba es de las pocas excepciones en cuanto a reparaciones. Si se rompe deben ser reparado en Londres.
Además solo hay un traje, de manera que si le sucede cualquier cosa durante la actuación, el departamento de marionetas necesita agotar todas las soluciones rápidamente para poder salir del paso.
Para enfatizar su humanidad, Rafiki es el único personaje de todo el show que no lleva máscara ni marioneta, su personaje en el musical, a diferencia de la película, es femenino, pues los productores buscaban remarcar la presencia de mujeres fuertes en la historia.
Su vestuario refleja la dualidad del personaje. Tiene características de mandril, representados en sus extremidades, donde juegan con las proporciones, acentuando los brazos largos, y acortando las piernas, Por otra parte el aspecto central de su traje está basado en los sanadores africanos.
La tunica de Rafiki cuenta con una tela de lino decorada con cuentas de madera y de vidrio, plumas, conchas, aplicaciones de cuero y crin de caballo en el cuello.
El collar que lleva está inspirado en los collares que lleva la tribu Samburu, como el personaje de Mufasa.
En la cultura Samburu, cuanto más collares usan las mujeres, más hermosas se las considera, y también es un símbolo de riqueza y estado civil.
El maquillaje de Rafiki está inspirado en las pinturas faciales tradicionales de áfrica. Los colores son una referencia directa a los rojos y azules del rostro del mandril que encarna, y está diseñado para enfatizar sus expresiones faciales.
En la cintura del traje cuelgan unos mechones confeccionados de manera tradicional con pelo de la cola de ñu. Esto hace referencia al laibon.
El Laibón es el anciano más respetado de la tribu masai y a menudo porta una especie de plumero realizado con estos mechones, con el que ejerce de líder espiritual y sanador.
Por otro lado, la túnica de Rafiki está inspirada en la Sangoma.
Los símbolos que adornan la túnica simbolizan las medicinas y herramientas usadas para sus rituales.
La túnica-vestido va sobre unos pantalones holgados y un sweter de nylon, de cuello alto.
El vestido está realizado en lino y yute, con una textura rasposa, y la actriz necesita protegerse con ropa interior para que con el sudor no le provoquen roces o reacciones.
La sangoma es una sanadora tradicional, se comunica con el inframundo, los ancestros y tb con los vivos. Puede predecir tu futuro, puede decirte cuando estás en peligro.. se comunica con los antepasados.
Todas las piezas que lleva Rafiki en su túnica a modo de amuletos se sujetan con broches e imperdibles, para poder retirarlos cada vez que se lava la prenda.
Debido a la incomodidad del tejido, al peso de la prenda y a la delicadeza de las piezas, que se pueden enganchar en cualquier pequeño saliente la actriz se pone el traje justo antes de salir al escenario, y se lo retira nada más acabar su actuación, donde permanece hasta la siguiente escena en que aparezca el personaje
Durante el musical nos encontramos con SHENZI, BANZAI y ED y su manada de hienas, con su aspecto propio de animal. En este caso las orejas y la mandíbula están realizadas en goma espuma densa, movible, la cabeza y crestas de fibra de carbono.
Las patas de las hienas son de metal, a modo muleta, forradas de goma pintada, y van sujetas con un arnés rígido a la espalda.
Cuando las hienas cuando están paradas, sujetan las muletas con una mano y con la otra mueven la boca del animal cuando habla.
Del mismo modo dos cables sujetos desde la cabeza del personaje hasta la cabeza del actor permiten que este con un movimiento de cuello pueda mover también la cabeza del animal
Más adelante, en la escena en que Scar canta su canción en el cementerio de los elefantes, vemos a toda la manada de estas hienas, y los asistentes de vestuario tiene que ser muy rápidos para repartir las muletas a todas las hienas que salen a escena desde diferentes puntos del teatro. Como son muletas pesadas, de metal, los actores las cogen justo antes de salir a escena y las devuelven cuando salen del escenario.
A parte de esta manada animal, el elenco de baile que aparece en este número musical viste un traje bastante diferente, con un pantalón muy ajustado, de punto, tipo legging, con agujeros y parches, y a partir de las rodillas hacia el suelo llevan un efecto de deshilado, para simular el pelo oscuro de las patas de estos animales.
Sobre el torso llevan unas sudaderas de algodón, aunque solamente les cubre la espalda, son prendas muy amplias y se sujetan con las mangas en la cintura, pasando por la entrepierna para que no se les mueva al bailar, y la capucha bajo la máscara.
Las botas de estilo militar y los guantes que acompañan el conjunto son de cuero auténtico: los cierres de las botas son cremalleras que el equipo de vestuario ha teñido para que no se vean tanto y llevan un diseño de garras en la punta del empeine y los guantes son mitones, con los dedos al descubierto.
Todos los animales que aparecen en la obra parecen hechos de pesada madera, pero la realidad es otra: gacelas, jirafas, bisontes… están elaborados todos con fibra de carbono, menos las cebras, el rinoceronte y los elefantes que consisten en armazones con telas tratadas y pintadas.
ELEFANTE
O como llaman en el backstage: «BERTA»
Es el animal más grande de todo el espectáculo: mide 4 metros de largo, 3.5 metros de alto y 2.5 metros de ancho.
Está realizado en tela y alambre, primero para darle ese movimiento bamboleante que tienen estos animales, y segundo para aportar ligereza y poder ser transportado de manera sencilla, ya que es manipulado por 4 actores, que se introducen en las patas, donde disponen de una barra de metal para levantar todo el armazón del animal.
Estos 4 actores una vez dentro del traje no se ven entre sí, ni tienen forma alguna de comunicarse entre ellos, de manera que su recorrido por el escenario debe estar perfectamente estudiado y sincronizado.
La tela utilizada seguramente sea un tipo de tergal, pero realmente lo que le aporta la textura rígida de la piel son las varias capas de pintura que le dan encima, de manera que ni el color ni la textura que vemos son de la tela original.
Boceto y maqueta de Berta
BEBÉ ELEFANTE
El elefante bebé es representado por la actriz que hace de Nala niña.
La construcción del armazón es similar a la de Berta, pero su traje es más flexible. Realizado en la misma tela, pero con un tratamiento más ligero para aportar más movimiento con los aros del armazón y resultar así más gracioso. Lleva además un pequeño pájaro, posado en la cabeza.
La niña va situada en las patas delanteras y las orejas del animal van sujetas en los brazos de la actriz para poder moverlas mientras se mueve por el escenario.
RINOCERONTE
La tela utilizada, al igual que el elefante, es una tela tosca, en este caso de yute, con tratamiento acrílico por encima, sin embargo el cuerpo en si esta realizado por un armazón de alambre con rejilla abierta y patas de cuerda.
La cabeza es de fibra de carbono, como todas las máscaras.
El traje del rinoceronte es portado por dos actores, que llevan en la cabeza sendos gorros tejidos, con pájaros encima, así como una cuerda que los une, con más pajaros en ella.
CEBRAS
En la escultura animada de la cebra, el bailarín forma la parte central y las piernas frontales del animal. Las piernas traseras las mueve con unas varillas mientras que la cabeza está especialmente diseñada para moverse de forma independiente, imitando el trote y los brincos naturales del animal.
Los actores que llevan la cebra en el escenario tienen que realizar un entrenamiento específico para fortalecer y flexibilizar las piernas, porque cada cebra pesa unos once kilos.
El mecanismo de sujeción del traje podría compararse con el arnés de seguridad de una montaña rusa combinandolo con una pesada mochila.
Lleva un par de correas cruzando en la espalda, acolchadas, las cuales sujetan todo el peso del armazón.
Para vestirse, el actor necesita a un técnico que le sujeta el traje en alto por los tirantes de este arnés.para que el actor pase por debajo y pasando el traje por su cabeza el técnico lo deposita con suavidad sobre sus hombros.
La parte trasera de la cebra tiene un cinturón que el actor abrocha fuerte en su cintura de manera que lo que es el tronco y traseros del traje no se balanceen al moverse. en los laterales, el traje tiene unas varillas largas sujetas a las patas traseras con las que el actor controla el trote y las diferentes posturas del animal.
El armazón en si, es de metal con un tejido de yute muy abierto, al que le han dado varias capas de pintura.
La cabeza de la cebra va semi sujeta al cuello solo en la parte interior, probablemente con algún tipo de muelle, de manera que cuando el actor se mueve, esta se balancea acorde con el movimiento.
Lleva asimismo un mono realizado en punto de acrílico, abierto, con agujeros más grandes de manera “aleatoria” y pintado después. abrocha en la espalda con una cremallera metálica. En la cabeza lleva también un gorro del mismo punto, con mechones blancos y negros que van perfectamente alineados con las líneas pintadas en el gorro.
JIRAFAS
Desde el suelo hasta la cabeza, la jirafa mide casi cuatro metros y medio.
Solo la cabeza de este personaje pesa unos novecientos gramos.
Para vestirse, el actor lleva un traje de chándal, corriente, probablemente suyo propio, y sobre ello se pone un mono que lleva almohadillas interiores acolchadas en pecho, espalda, brazos y piernas.
El mono lleva las perneras y las mangas abiertas, para poder sujetar más tarde con ello los zancos y las muletas que utiliza.
Para ponerse los zancos de los pies, se sube a una escalera donde le ayudan los técnicos a abrocharlos, los zancos van sujetos hasta la rodilla, y por ello después le cierran las pernera del traje con una cremallera para ocultar esa parte.
El segundo paso es colocar el casco donde va sujeto el cuello y cabeza de la jirafa, que es de fibra de vidrio. se sujeta con unas correas de cuero, de 3 cm de ancho.
En el tercer y último paso, el técnico le sujeta las muletas de las patas delanteras sobre el antebrazo y después le cierra las mangas del traje, con cremalleras también para ocultar esa parte de la muleta.
GUEPARDO
El guepardo, como la mayoría de los animales, está realizado en fibra de carbono.
La actriz lleva un mono en tonos tierra, pintado a mano
Para manejar el movimiento de la cabeza hacia los lados lleva un casco-peluca donde se enganchan los hilos con los que controlará estos movimientos
Para ponerse el traje primero se abrocha las patas traseras del animal en los muslos y en los tobillos. Como son articuladas, según camina, van siguiendo sus movimientos..
Después se sujeta el cuerpo del guepardo a la cintura, luego sujeta las patas traseras a la pieza de su cintura que sujeta el resto del cuerpo del animal.
Para mover las garras delanteras, el traje lleva dos varillas que la actriz maneja para realizar los movimientos.
En la parte de la espalda, el animal dispone de un tope vertical para poder ella controlar mejor el cuerpo del animal con la espalda.
Boceto del guepardo – Julie Taymor
PÁJAROS
En la primera escena podemos ver a un hombre y varias mujeres representando a los pájaros de la sabana africana.
En el caso del hombre se trata de un actor al que se le toman medidas específicas para hacerle un corsé y sobre ese corsé se ajusta una prenda exterior con falda, de organza.
Para vestir a este actor y a las actrices se necesitan dos técnicos de vestuario, que le colocan las piezas mientras permanece de pie, como un maniquí, y le retiran del mismo modo el traje al acabar la escena.
El traje lleva un sistema sujeto en la espalda con el que puede manejar las alas de los pájaros de su cabeza con sus brazos
Estos son algunos de los personajes más delicados, y que más mantenimiento requieren, puesto que el material de sus trajes, la organza, es una tela que da muchos problemas y se rasga muy fácil, por ello el equipo de vestuario le aplica un par de capas de acrílico para darle un poco más de resistencia al tejido, para evitar que cualquier roce con algún compañero pueda rasgar sus trajes.
CARNEROS
Al comienzo del show, en «El ciclo de la vida» aparecen dos carneros.
Van vestidos con aspecto de pastor africano, acompañados por bastones. La cabeza del animal es de fibra de carbono con tejido decorado con motivos africanos.
Los pantalones son de fibra vegetal tosca, con un tratamiendo de endurecido para darle ese aspecto hueco, y se sujeta en cintura con un cinturón de chaquiras tipo concha.
En los pies calzan sencillas sandalias de cuero autentico
GACELAS
Otro animal que encontramos en esta escena son las gacelas.
En este caso son bailarinas con tres gacelas de fibra de carbono: dos las sujetas con las manos, a pulso, y otra la mantienen fija con la cabeza.
Llevan asimismo un mono pintado a mano con motivos africano-lineales.
En número musical donde Simba y Nala cantan, imaginando de manera divertida cómo sería la vida sin el pesado de Zazú, fue uno de los momentos más difíciles de plantear para el equipo de producción.
En la película encontramos una fastuosa coreografía digna de Busby Berkeley con escenas hiper coloridas sucediéndose una tras otra, pero en el musical, tras haber representado una escena tan impresionante como “El Ciclo de la Vida” no querían repetir el mismo concepto y aparte, los tramoyistas tenían que montar el escenario del cementerio de elefantes durante la duración de ese número infantil, de modo que solo disponían de un espacio de diez pasos en el escenario para poder representar toda esa fantasía.
Excepto Zazú, cuyo traje es azul, la gama cromática del número se basa en los tonos marrones tierra y dorados.
Se consideró la idea de usar andamios para crear puentes no-visibles para el público, donde varios marionetistas usarían marionetas ante una pared de luz, en esta idea habría un caleidoscopio de espejos y cajas de luz en los andamios, donde con veintisiete bailarines y cantantes capaces de maniobrar las marionetas. Esta solución les permitiría usar todo el área vertical de la boca del escenario, que estaría repleta de criaturas fantásticas flotantes. Sin embargo esta increíble idea planteaba un problema serio: no había manera de almacenarlo en las bambalinas y elevarlo desde la parte superior del teatro habría sido increíblemente caro, era demasiado pesado, ruidoso y complicado..
Así que redefinieron la idea con un juego de “embaucadores”, como los llama Julie, éstos juegan el papel de fieles seguidores de Simba, que, como en la película, protegen al príncipe de Zazú, cada vez que éste intenta razonar con los pequeños. Además son criaturas fantásticas, muy inspiradas en las máscaras tribales africanas. Son los únicos personajes que no podemos ver la cara de sus intérpretes por ningún lado. Los trajes son acolchados y las máscaras están realizadas en goma blanda, de manera que los bailarines pueden caerse con ellos sin ningún riesgo.
Durante el proceso de diseño, Julie pidió a varios niños que dibujaran animales como los imaginaban, que luego tradujo a estos títeres «divertidos».
A parte de los embaucadores, encontramos cuatro jirafas, que también se tratan de marionetas, aunque en este caso la articulación se reduce a la cabeza únicamente.
Miden cinco metros y medio de altura, siendo los más altos de toda la obra.
Además de las cuatro jirafas tenemos también dos avestruces, realizadas en un armazón más sólido para poder soportar el peso de los dos niños.
En el momento que Simba tiene ese encuentro con el espíritu de su padre, el espectador pued ever como la cara de Mufasa se forma al fondo del escenario partiendo de diversas piezas separadas.
Esas piezas son manejadas por solo dos actores que las sujetan con unas barras largas, intentando coordinar todos sus movimientos para que en ningún momento se desconfigure la cara del rey.
Para evitar que en ningún momento se viera a los actores que llevan a cabo esa escena, se les viste con unas túnicas con capucha, negras, de terciopelo.
El terciopelo, en especial el negro, tiene la peculiaridad de que absorve toda la luz que pueda darles de refilón, de manera que en una zona mal iluminada es un tejido que simplemente, desaparece a la vista.
Máscara de Mufasa en el backstage
Lo más original que tienen los trajes y los diseños es la cualidad de transformar al artista en animales o plantas. En escenas donde no hay maquinaria o utilería, el protagonista es el vestuario.
Para crear las praderas de El Rey León, las que varios actores sostienen sobre sus cabezas y van moviendo, se utilizaron 27kg de césped.
El material de este cesped es también fibra de carbono, y va acomodado sobre el casco, el cual está cubierto de tela de manera que se ve como si fuera tan solo un turbante.
Los bailarines de la llanura llevan un corset, confeccionado con hojas sintéticas tejidas con cuerda. De este corpiño, mediante nudos, se sujeta la falda, realizada con cuerdas de fibra de pita trenzada que abre según baja, creando un efecto, cuando los bailarines salen a escena, de la hierba de la llanura meciéndose con el aire.
También encontramos la vegetación selvática de «Can you feel the love tonight»
Para realizar esos trajes y tocados se utilizó, entre otras, la técnica de shibori, haciendo efectos degradados de tonos, para darle más riqueza a los tejidos.
Todos los textiles utilizados han sido realizados para el musical exclusivamente, a mano, bajo un largo proceso de pruebas.
Julie quería desde el principio que la riqueza selvática de esta escena fuera representada por bailarines, de la misma manera que en el primer acto encontrábamos la llanura con ese sutil movimiento, aquí aparecen las vistosas hojas y flores que van cobrando vida según comienza la canción.
Conforme Nala y Simba van avanzando por este paisaje, toda la vegetación va mutando de verde a tonos mucho más llamativos como el fucsias o el amarillo, gracia a esas faldas desplegables de sus vestidos.
El pasado puede doler… pero puedes huir de él o aprender.
Desde el primer minuto que el espectador visualiza del musical de «El Rey León», ya puede adivinar que se encuentra ante el mayor despliegue visual en un teatro de los últimos años.
Julie Taymor ha sabido, de manera magistral, no solo traernos en directo toda una fauna africana de manera impresionantemente creíble, sino que además nos mete de lleno en una macedonia de tribus y étnias de todo el mundo para enriquecernos con sus tradiciones, culturas y folklore musical, y eso ha sido lo que ha llevado a «El rey León» a convertirse, de manera totalmente acertada, en la producción de entretenimiento más taquillera de la historia.