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Pizza DeSastre #05. The Witcher. Parte 2.

Segundo podcast dedicado a la serie de Netflix en la que hablamos del vestuario de muchos personajes que se nos quedaron en el tintero en la primera parte: Calanthe, Jaskier, Pavetta, Eist, ...

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Si tengo que elegir entre un mal y otro…prefiero no elegir en absoluto.

Geralt de Rivia

Calanthe

Como comentamos en el post anterior al hablar de Cirilla, a la hora de diseñar el vestuario de la corte de Cintra, Tim se inspira tanto en el cine negro de los años 30 como en el sentimiento gótico del esteticismo del siglo XIX. Asimismo para reflejar la prosperidad de esta ciudad Tim centra la carta de color de sus trajes a los dorados-verdes-platas.

 

Por supuesto, todo esto se hace muy patente en la reina Calanthe.

El vestuario que luce en toda la serie siempre busca reflejar el carácter y actitud de la monarca. Sus vestidos de la corte llevan poco artificio, vistiendo ropajes sueltos y prácticos, también se recoge siempre el pelo en trenzas, muy típico de la época del Renacimiento y a la vez muy apropiado para alguien que en cualquier momento puede comenzar una pelea.

 

Asimismo es muy interesante el tratamiento que se le hace en los hombros para las escenas donde tiene que mostrar más su temperamento enmarcándolos para darle más fuerza a su carácter tan solo a primera vista.

Calanthe lleva un vestido dorado en su primera escena, después de la batalla. Está hecha de lentejuelas doradas, elegidas para darle al vestido una imagen de cota de malla como un reflejo de la fuerte unión entre tradición y fuerza de la reina.

 

También lleva una capa de terciopelo azul real con los icónicos leones bordados en oro de Cintra. Enmarcan los hombros dos piezas bordadas con hilo dorado. 

Vestido de noche en lamé de seda, cortado al bies, finales de los años 30 con un efecto muy similar al de la Reina Calanthe

Si nos fijamos de cerca en el cuello de cuero dorado podemos ver que en contra de las técnicas de la edad media o renacimiento, tiene las costuras vistas hechas a máquina. Esto es algo que normalmente se suele cuidar en este tipo de producciones y llama la atención que aqui hayan tenido ese fallo.

 

Por otro lado este mismo cuello se lo veremos debajo de su armadura en la escena que lucha contra el ejército Nilfgaardiano

Interesante la semejanza entre la corona de Calanthe y la de Charlize Theron en “Blancanieves y la leyenda del cazador”

En ese mismo capitulo, poco después, podemos ver la estética de toda la corte.  Vemos que los vestidos son todos de terciopelo o brocados y están desprovistos de adornos elaborados. La gama de color es totalmente otoñal.

 

Calanthe lleva aquí un vestido sencillo verde oscuro, con corte imperio. 

 

Vestido de terciopelo de seda, 1930.

El vestido de Calanthe del capítulo 7 está adornado alrededor del escote, del bajo y las mangas con filigrana de cordón, del mismo modo que el vestido de Ciri en el banquete del capitulo 1. Lleva un corte en pico bajo el pecho, como en casi todos sus vestidos, y la manga le crea volumen en el codo.

 

Lleva también unos guantes de cuero azul grisáceo, a juego con la estola de piel que le enmarca los hombros.

Importante hablar del vestido visto en el Episodio 4. Está hecho de terciopelo brocado en los tonos de siempre: verde y dorado, y tiene un elaborado bordado de cuentas alrededor del torso, los hombros y las muñecas que crean una sensación casi acorazada.

 

El escote es en V, y de nuevo los hombros van muy marcados, con esas piezas que casi parecen las hombreras de una armadura.

 

Su cabello va recogido por trenzas y en la cabeza una corona con joyas y labrado vegetal.

 

En este momento de la serie se nos evidencia algo que siempre se da a lo largo de toda la serie. Da igual si es ocasión de paseo o de celebración: Calanthe siempre tiene un arma cerca.

Una prenda que aparece varias veces en la serie es el chal.

 

El chal de Calanthe, es en terciopelo azul, con los leones de cintra bordados en dorado, rematado con pasamanería dorada y flecos tb dorados.

A parte de gobernante y abuela. También es una guerrera temible.

 

La reina tiene varios atuendos en la serie, pero el que es más memorable, y que es claramente la más feliz, es su armadura de batalla. Calanthe es conocida como la Leona de Cintra, y hay leones en su coraza para que nadie pueda confundirla, sin mencionar las patas de león en sus hombros.

 

Llama la atención su sonrisa y su buen humor cuando entra en el gran salón salpicada de sangre y barro del campo de batalla. Es el único momento que se la ve eufórica.

 

La armadura de la reina, dentro de la opulencia de Cintra, es una armadura relativamente sencilla en comparación a las otras de su ejercito, es práctica, no le gustan los artificios. 

 

Es dorada por completo a excepción de las hombreras y los brazales, y en la escena de la batalla contra Nilfgaard aparece con la misma armadura en color plata con detalles dorados.

 

Lleva también la característica capa azul con los leones bordados en hilo de oro y el pelo, como siempre recogido en trenzas.

 

Como yelmo, utiliza una borgoñota* y si nos fijamos en la armadura plata, lleva debajo la misma pieza de cuero en el cuello que llevaba bajo el vestido dorado.

Se llama borgoñota al casco ligero con la visera fija, que dejaba el rostro descubierto. Su uso corresponde a la época del Renacimiento, y debido al gusto artístico de esta época la borgoñota iba enriquecida con todo tipo de decoraciones. Este elegante casco tiene su origen en Borgoña y durante mucho tiempo fue el preferido de los mandos por su diseño, su ligereza y por su estética, que recuerda a los de la antigüedad clásica. En España se llamaron “celadas borgoñonas” y con el tiempo su uso fue sustituidas por el del emblemático morrión.

Pavetta

Tim Aslam quería que el vestido de Pavetta fuera especial y como se describe en las novelas de color verde esmeralda (color que además se usa en cine siempre en relación a la magia, por ej: Harry Potter o Malefica) quiso respetarlo.

 

En este capítulo la princesa desafía los deseos de su madre y se convierte en el punto focal en la escena, cosa que el diseñador debe tener en cuenta a la hora de crear su vestuario. En los planos generales el vestido de Pavetta es muy fácilmente reconocible entre todos los tonos dorados y oscuros del resto de la corte

El vestido está cortado para dar un efecto de remolino sobre el corpiño y las mangas y está bordado con un fino hilo dorado para captar la luz. 

 

Se ha realizado una manipulación de patrón, haciendo un efecto giratorio en corpiño y en las cabezas de las mangas del vestido para ofrecer al espectador un  pista sutil de los poderes de Pavetta. Sus bordes de seda fina con vetas doradas tienen la intención de darle un efecto flotante cuando son atrapados en el aire, para ello también se realizó una sobre falda abierta y la capa.

Para agregar profundidad, el vestido tiene un suave degradado en el bajo de la falda y las mangas, que es un detalle que, desgraciadamente, en la pantalla se pierde.

Destacan también las mangas con coderas a las que se le ha dado un interesante aspecto vegetal.

Tiara de Pavetta

Pavetta lleva el pelo recogido en una trenza con una cinta dorada, y en el cabello una tiara con detalles de granadas.

 

Tanto los pendientes como el collar son de inspiración India.

Joyeria India

EIST TUIRSEACH

El rey Eist Tuirseach, luce unos ropajes que mezclan la inspiracion medieval y oriental.

 

En los episodios 1 y 7 Eist lleva este jubón con falda de talle alto con una capa a juego sobre un hombro.

 

Todo el traje está confeccionado con un materiales de tapicería gruesa con textura. Parecen el mismo tejido, pero no lo es, a diferencia del cuerpo, la capa tiene un relieve lineal.

 

Recordamos que Tim Aslam, como comentamos en el primer post, a diferencia de otros diseñadores de series parecidas (Michelle Clapton)
en lugar de agregar adornos sobre la tela para embellecer las prendas, toma siempre como base la manipulación del patrón, realizando pliegues y cortes en la tela para darle relieves y texturas

Resolución del cuello de Eist.

El color del traje de Eist es mucho más vivo realmente de lo que vemos en la serie. Es de un tono verde-amarillo, con una textura que, junto al cuello, da una ligera sensacion de lagarto.

 

Tambien se ve todo el trabajo de manipulación de tejido en las mangas, así como los nervios en la parte superior de la capa, la cual se diferencia totalmente tanto en color como en textura del resto del traje.

En el mismo episodio 1, durante el banquete, Eist lleva un abrigo brocado, con motivos vegetales, de  inspiración asiática también pero esta vez mezclado con un toque de alta costura actual y es que Tim Aslam para la mangas adaptó un diseño de Chanel realizandolo con costuras francesas.

 

La principal característica de la costura francesa es que oculta los cantos de la tela en el interior de un pliegue realizado previamente. Presenta un acabado muy limpio y resistente, que aunque se puede realizar en cualquier tipo de tejido, es imprescindible en tejidos muy finos, transparentes o que se deshilachen con facilidad, por eso se utiliza mucho en lencería. Eso, además de conseguir un acabado muy pulido, la hace muy resistente.

Detalle de abrigo. Desfile Chanel Ready-to-wear FW 2012

Eist. Tim Aslam Art concept.

Episodio 4: Aquí de nuevo le vemos con otro abrigo  de inspiración asiatica, con botones en delantero y unas mangas muy llamativas con un impresionante trabajo de pliegues cruzados, con mucho volumen y el resto del brazo ajustado.

 

En brocado plata y dorado motivos vegetales, con pasamanerias doradas, y puños abiertos dejando asomar la prenda interior, que asoma tambien en el cuello.

 

Es de largo hasta rodilla y los botones tienen forma de diamante, y van  hasta el corte de cintura, donde la prenda abre.

Mousesack

Druida de la corte de Cintra y asesor de la reina Calanthe en prácticamente toda la serie con esta hopalanda.

 

Sujeta con el cinturón, esta prenda tiene muchisimo vuelo, y va abrochada con una hilera de botones con forma de diamantes y agrupados de tres en tres, del mismo modo que Ciri en su jubón.

 

 

 

Realizada en satén dorado, muy acorde con la corte de Cintra, esta prenda está directamente basada en la hopalanda de Jan Zhorelecky:

 

 

Hopalanda de Jan Zhorelecky, terciopelo.1936. Se vestía con cinturón y estaba decorada con pieles. Praga

Aunque esta prenda está sacada del pleno renacimiento, este estilo de mangas super fruncidas y excesivamente largas también causó furor a fines del siglo XIX como podemos ver en estos vestidos de Liberty and Co.

Mousesack art concept. Tim Aslam

En el capítulo 4, le vemos con una hopalanda parecida en la base pero con las mangas realizadas a base de capas y cortes verticales en el pecho.

 

El cuello mao y los botones con presillas le dan un toque oriental. La prend está realizada en tafetán verde oliva, y a partir de la cintura se abre y aporta mucho vuelo en el faldón. Los pantalones de este conjunto son bastantes sencillos, dejando todo el protagonismo a la prenda superior.

Cintra: Su armadura

Sin igual en la guerra y el comercio, el Reino de Cintra es venerado por algunos como la metrópolis suprema, pero al mismo tiempo es considerado con odio y desdén por los demás. Los Cintranos se consideran el reino más sofisticado, poderoso y elitista del continente.

 

Esto se refleja en su actitud arrogante y supremacista hacia otras ciudades menores, así como en su intrincada armadura.

Armadura de Cintra. Art concept. Tim Aslam.

En la edad media una armadura de metal era costosa de producir y así es una manera de reflejar la prosperidad, y también la vanidad como es este caso, por el uso de adornos decorativos adicionales.

 

 Esta armadura en concreto está influenciada por las armaduras del alto Renacimiento italiano y alemán.

Armadura Italiana para torneo a pie. Italia. Siglo XVI

Con una borgoñota como yelmo, está diseñada a propósito con una decoración en relieve de oro como símbolo del rango superior, y homenaje a la confianza y la destreza en la batalla de los personajes importantes que la usan. 

 

Los rangos menores de Cintra están equipados en una versión más simple hecha de metal plateado, como es el caso de Sir Lazlo, que ayuda a Ciri a escapar durante el saqueo de Cintra, también tiene al león entretejido en la capa que lleva sobre su armadura.

 

 No solo es un significante visual de su lealtad a Cintra, sino una encarnación física de su lealtad personal a la Reina.

 

El acolchado protector inferior está realizado de material de brocado plateado con un brillo plateado y dorado que se suma a la ilusión del esplendor etéreo de Cintra. Esto se da por igual en todos los rangos.

 

 

Nilfgaard: Su armadura

Nos adentramos en un aspecto bastante controvertido del vestuario de la serie, y es que muchos seguidores de esta saga han criticado desde el primer momento el aspecto de la armadura porque se desvía bastante severamente de la idea que tienen de los libros y de los juegos. 

 

 

En los libros la armadura nilfgaardiana se describe como “negra con un motivo de sol” y en los juegos nos encontramos un modelo mucho más suave y brillante, pero también debemos tener en cuenta que los juegos no deberían usarse como estándar para una producción que ya nos dijeron que estaría basada únicamente en los libros.

 

La idea base para confeccionar una armadura de cuero arrugado era que no debía tener el aspecto de una armadura estándar, como la de Cintra, con menos soldados y un reino próspero respaldando detrás, Sino que el ejército nilfgaardiano es de reclutamiento. Mientras marchan hacia el norte, saquean ciudades y obligan a los aldeanos al servicio militar.

 

La primera temporada trata de contar muchos comienzos, y con Nilfgaard sucede lo mismo, mostrando un ejército que nace de la necesidad, sin medios y la armadura es un reflejo de ello: la apariencia tosca de un enorme ejército sin tiempo ni presupuesto. De esta manera se da oportunidad de ir viendo como evoluciona a lo largo del show hasta llegar a convertirse en la fuerza más poderosa del continente. 

Por otro lado el equipo creativo quería jugar con las diferencias entre el norte y el sur, y buscaron lograrlo en parte con su equipación de batalla, haciendo intencionadamente que  la armadura se viera tan extraña y tan fuera de lugar como la gente ha notado. 

 

Para Tim Aslam la armadura nilfgaardiana fue la más desafiante después de la de Geralt, porque consideraba que hacerla como cualquier armadura histórica no era suficiente para mostrar el poder aterrador y oscuro del ejército del sur, y además contó con  tan solo una semana desde el boceto inicial hasta la confección final de la armadura, y se le pidió algo que no fuera nada oriental, nada tradicional, nada histórico.. solo negro. 

 

Decidieron que sería interesante que la armadura en sí misma tuviera un aspecto orgánico en lugar de artificial creando un efecto venoso y con referencia a la naturaleza, a las raíces de los árboles, a la corteza, al musgo y a las cosas en descomposición, para crear así una extraña sensación alienígena diferente a cualquier otra cosa.

La armadura del ejército de Nilfgaard está forrada en badana, un tipo de cuero de oveja, muy utilizado en este tipo de producciones debido a su gran maleabilidad y su alta capacidad de teñido. Para conseguir esta extraña textura la badana se moja y se le da la forma deseada antes de que seque, quedando un resultado bastante rígido y resistente.

Jaskier

Jaskier, interpretado en la serie por Joey Batey,  no solo es responsable de cantar “Toss a Coin to your witcher” sino que también aporta ligereza en la historia, algo muy necesario en esta serie. 

 

Jaskier viste siempre con ropa de colores brillantes y estampados elaborados, y nunca está sin su laúd de confianza para ayudarlo a componer sus baladas.

 

Sin embargo, como pueden notar los fanáticos de los videojuegos, no tiene su sombrero característico en la serie de Netflix.

Realmente el sombrero estaba pensado para la serie y se había realizado un modelo confeccionado con una pluma de garceta.

 

La responsable de la serie, Lauren S. Hissrich, ha explicado que el motivo de esta omisión es que el equipo de producción piensa que el personaje no habría funcionado en escena con un sombrero de ese tipo, y que tal vez restaría seriedad a Jaskier en comparación con otros personajes como Geralt, resultando tal vez demasiado cómico.

 

A pesar de ello no descartan volver a intentarlo en futuras temporadas.

En una entrevista, Joey comenta que los trajes le encantaron nada más verlos, y que una de las primeras cosas que le comentaron al hablar de ello fue que no tendría que llevar coquilla ni medias y según palabras textuales “Agradecí al Señor no gastar lo que podrían ser los próximos 7 años de mi vida usando esas prendas” 

 

En la serie Jaskier es aún muy joven, en los juegos, es bastante más mayor. Los juegos tienen lugar, obviamente, después de la serie de libros. Así que estamos viendo algo así como los comienzos de Jaskier. Así que en los ropajes buscan reflejar elegancia pero no demasiada seriedad.

 

Jaskier no repite vestuario en ninguno de los capítulos,excepto las botas y siempre va muy acorde al ambiente que le rodea en cada capítulo, pero en especial tenemos dos donde Tim Aslam juega especialmente con los trajes de Jaskier para mimetizarlo con la situación:

En el capitulo 4 nos lo encontramos visitando la corte de Cintra, con un traje de gala en tonos dorados, metalizado, y unas piezas enmarcandole los hombros de manera que nos recuerda a las que lleva tambien aqui la reina Calathe.

 

Normalmente Jaskier viste con colores muy llamativos, que le destacan enseguida, pero en este capitulo Tim quería que se camuflara con el ambiente, para otorgarle todo el protagonismo a Pavetta con su vestido verde esmeralda.

Después, en el capitulo 6 le vemos con un llamativo traje rojo, que nos recuerda de manera muy evidente a un dragon, con los cortes como escamas y las hombreras salientes.

 

Del mismo modo, la textura de la chaqueta simula la piel de un reptil, algo que encaja perfectamente con la historia que nos están contando.

Tissaia

Como hechicera y rectora en la academia de magia de Aretuza, Tissaia de Vries es una mujer impresionante pero severa. No faltan mujeres fuertes en el programa, pero Tissaia es una de las pocas que no es ni guerrera, ni reina, ni seductora.

 

Desde su presentación, Tissaia irradia poder y prestigio, y esto se ve reforzado por los diseños que Tim Aslam creó para el personaje. 

Los trajes de Tissaia están inspirados principalmente en la moda victoriana de finales del siglo XIX.

 

La silueta de sus prendas es arquitectónica y elegante en un esfuerzo por representar visualmente su autoridad como Rectora de Aretuza, una posición de alto perfil que les da dominio sobre la próxima generación de mujeres. 

 

Corpiños estructurados y cuellos altos se utilizan para recordar a los personajes y al público que Tissaia está a cargo y que ella lo sabe.

Los únicos momentos que se la ve sin los cuellos es cuando se encuentra en ambientes relajados, ya sea en su despacho, con otros hechiceros o en el baile.

Dando clase en el cap.2 lleva un vestido confeccionado en el color verde azulado característico de este personaje, con motivos de apliques triangulares en la parte delantera central, en el dobladillo de la falda y en los puños de las mangas que buscan enfatizar el estilo arquitectónico de sus trajes, como si fueran parte de la misma Aretuza.

Más adelante la vemos con un vestido similar, pero con detalles de cintas negras en la espalda, de nuevo con esa intención de geometrías, de arquitecturas. Igualmente en el tratamiento de las mangas en los hombros.

Y cuando va a visitar a Yennefer tambien recurre a un estilo identico.

En el episodio 7 “Antes de una caída” Vemos a Tissaia con un llamativo vestido cobre, que, no solo mantiene el cuello alto como en sus anteriores vestidos, sino que tiene los detalles de los hombros, enmarcándolos.

 

Aunque el vestido es naranja, Tissaia no abandona del todo su color fetiche, el azul, puesto que tanto en el bajo como en las mangas le suben pequeñas corrientes ondulantes de ese tono.

Durante la batalla de Sodden Hill la rectora viste un abrigo de textura con detalles metalizados al que se le ha realizado una manipulación del patrón tanto en mangas como en el pecho. A diferencia de algún modelo anterior ya comentado, este vestido con aspecto de abrigo, luce mucho más bonito sobre la pantalla que sobre el maniquí.

Triss Merigold

La hechicera Triss Merigold hace apariciones recurrentes durante toda la temporada. Inicialmente conoce a Geralt pero luego se une a Yennefer y sus compañeros para la batalla culminante contra Nilfgaard en el episodio ocho. 

En la primera escena que la vemos aparece en un bosque de noche, donde lleva ese vestido verde esmeralda con bordados dorados. Al principio no se aprecian apenas los detalles, pero más adelante, relucen con el efecto de las las que alumbran la sala donde se encuentran.

Aunque en un principio parece que esta capa estaba pensada para el vestido anterior, Triss luce esta preciosa prenda con cortes que le aportan textura y rematada con pelo con un vestido azul con pequeñas pinzas ajustando en el talle y rematadas en hilo plata

 

Los vestidos de Triss recuerdan en cierta manera a los elementos y la naturaleza, en la que basa sus hechizos. De este modo las texturas de sus trajes acompañan al color de los mismos, como el verde bosque del comienzo o el anterior azul que simula los reflejos del agua.

 

Sin embargo parece que, según se aproxima la batalla sus trajes también se van volviendo más agresivos, ya sea en color y en textura.

De este modo la vemos en Aretuza, en el capítulo 7, con un vestido de textura reseca, rugosa, como si fuera tierra, con unas mangas ajustadas que luego abren , como si fueran los pétalos de una flor.

 

Asímismo en el último capítulo, en plena batalla, Triss viste un vestido naranja intenso con el mismo trabajo de pinzas que el azul anterior, las mangas muy fluidas y un suave degradado hacia el bajo, donde se han bordado unos pétalos oscuros, haciendo un efecto llameante que, desgraciadamente, se pierde por completo en la pantalla.

Renfri

Es uno de los primeros personajes presentados a la audiencia y es una figura prominente en el episodio uno. Desterrada de su tierra natal, la princesa encubierta todavía lleva una muestra de su pasado: El broche que se ve en su traje está inspirado en el símbolo de Creyden, el reino en el que nació originalmente.

 

Esta atención al detalle da valor al esfuerzo que Tim Aslam y el resto del equipo de vestuario pusieron en la investigación de la historia

El broche de Renfri en la empuñadura, refuerza la creencia de Geralt de que no debería involucrarse en los asuntos de los hombres, porque siempre le causan dolor. Cuando desenvaina su espada, el broche de Renfri le recuerda que a pesar de que intente hacer el bien, el mal puede estar muy cerca.

Se viste para matar a Stregobor con una camisa holgada, un peto de cuero, así como su espada y su daga. El peto lleva una piezas metálicas sujetas en fila a modo de escamas.

 

El diseño original llevaba una hombreras tb de cuero, con los mismos detalles decorativos, pero al final eso no aparece en la serie. 

 

El primer diseño de Renfri estaba compuesto por varias piezas verdes, con una sobrefalda de cortes con placas metálicas, rectangulares, enganchadas, que recuerda mucho a la usada por los gladiadores de la antigua Roma, así como al desfile de Balmain 2014

Balmain 2014

Tim Aslam además realizó el vestuario de Renfri para una escena que posteriormente fueron eliminadas: un flashback de su infancia.

 

En estas fotos podemos ver a una Renfri mucho más joven con una capa roja, sujetando su icónico broche. La actriz detrás de esta versión de Renfri era Lila Prideaux, la cual interpretó una versión más joven de la primera versión de Renfri de Millie Brady. Posteriormente, el papel se reformuló antes de los extensos retoques del piloto, con Emma Appleton convirtiéndose en la princesa exiliada y eliminándose esta escena.

Borch Three Jackdaws

Si a Tim Aslam le gusta jugar a darnos pistas con los vestidos de los personajes que vamos encontrando, con Borch gana la partida por goleada.

 

Borch Three Jackdaws aparece en el episodio “Especies Raras” con la intención de matar a un dragón. Al final del episodio, sin embargo, se revela que  en realidad se trataba de un dragón dorado disfrazado de humano. 

El departamento de vestuario eligió incorporar esta transformación en su vestimenta humana, cubriendo las capas externas de su atuendo con escamas, insinuando a voces su verdadera identidad desde el primer momento en que aparece en la pantalla.

 

En su forma humana, se parece a lo que un dragón supone que son los humanos. Es bajito, canoso y poco impresionante, ya que todos los humanos son pequeños y rápidos de envejecer en comparación con los dragones. Lleva una camisa de algodón con costuras hacia fuera, deshilachadas, y un peto con escamas doradas y marrones, así como sus brazaletes. Los pantalones también son en tono dorado. Todos estos detalles nos presagian su verdadera naturaleza. 

Sus dos compañeras también visten de similar manera, con detalles africanos y escamas.

Las dríadas

En el episodio cuatro, “En banquetes, bastardos y entierros”, las habitantes del bosque se nos presentan a las dríadas

 

Las dríadas son una sociedad solo para mujeres que vive en Brokilon Forest ocultándose del mundo exterior.

Utilizan elementos naturales tanto para la ropa como para el camuflaje, al tiempo que rescatan y reutilizan el botín de guerra de cualquiera que venzan que intente ingresar o atacar su bosque.

 

La idea de diseño detrás de sus prendas es reflejar el ambiente y las texturas del bosque utilizando materiales vegetales reales e imitados, fibras naturales, hojas, corteza, hilo, etc. Los elementos metálicos de armadura e incluso algunos huesos humanos de imitación también se utilizan para completar su aspecto.

Los Elfos

Para el pueblo de los elfos se utilizó una técnica especial de procesamiento de tejido. Se emplearon mangas de vestido de varias capas y cortes de túnica dura similares a los de una túnica medieval.

 

Sus trajes se desgastan y cambian de la misma manera porque tienen que vivir en condiciones duras y son constantemente perseguidos y cazados por los humanos.

 

Aunque hemos visto muy poco de ellos en esta primera temporada, esperemos verles más en las siguientes.

icono testimonio

¡No me inclino ante una ley hecha por unos hombres que jamás han parido un niño!

La Reina Calanthe

En la mayoría de las prendas, puedo decir que el trabajo de Tim Aslam no está mal, pero los seguidores de las narrativas fantásticas estamos muy mal acostumbrados:

Primero Weta Workshop hizo auténticas maravillas con todos los elementos de la Tierra Media y años después Michele Clapton nos deleitó con un vestuario en Juego de Tronos que alcanza la excelencia. En The Witcher hemos visto un vestuario que, sin ser deficiente, no estaba a la altura de a lo que este tipo de superproducciones nos tienen acostumbrados. 

 

Y al parecer no solo lo opinamos los caballeros, la crítica general que ha surgido sobre la mala elección en el diseño de vestuario, ha llevado a Netflix a anunciar el fichaje de la ganadora de un Bafta al mejor vestuario, Lucinda Wright, como encargada de diseñar el vestuario de la 2 temporada de la Saga del Lobo Blanco. Lucinda  tiene experiencia en vestuario de época y esperamos que con ella los personajes brillen de manera excepcional.

Lo veremos en 2021 fecha prevista, si todo va bien, para el estreno de la próxima temporada en Netflix.