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Pizza DeSastre #04. The Witcher. Parte 1.

El primero de dos programas en los que repasamos el diseño de vestuario de la última gran serie de Netflix, The Witcher.

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Toss a coin to your witcher…

Jaskier

Gente desnuda, monstruos, conjuros, dragones… Denominada por mucha gente como “la nueva juego de Tronos” (Con dudoso acierto, segun nuestra opinion) “The Witcher” ha venido para quedarse, y, esperemos, que por mucho tiempo.

 

Estrenada el  20 de Diciembre de 2019 por Netflix, la adaptación televisiva de la mítica saga de libros (y posteriormente videojuegos)  sobre Geralt de Rivia se ha convertido en muy poco tiempo en todo un éxito, Es más, la primera temporada se ha consagrado como una de las series originales de Netflix con mejor puntuación en IMDb. 

El reparto se caracteriza por la elección de caras “poco conocidas” como Anya Chalotra en el papel de Yennefer de Vengerberg o Freya Allan como la joven princesa Ciri. Aunque también nos encontramos con un Henry Cavill interpretando al protagonista.

 

La segunda temporada está anunciada para 2021.

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Fuck!

Geralt de Rivia

El diseñador de vestuario

Tim Aslam, nacido en Londres en 1966 es un diseñador de vestuario con sede en su ciudad natal, conocido por participar en películas como “Los miserables”, “La liga de los Hombres extraordinarios” o “Doolittle”.

 

Aslam estudió arquitectura, diseño de moda y sastrería en la Central Saint Martins y su carrera en el mundo de la moda le llevó a trabajar para Richmond-Cornejo y Wendy Dagworthy.

Su pasión por la moda histórica hizo que se cambiara al sector de la industria cinematográfica como diseñador freelance, trabajando durante varios años con 20th Century Costumes y con Berman’s y Nathans, proveedores de las industrias de cine y televisión como asistente de diseño de vestuario y más tarde como supervisor de vestuario.

Pero quizá uno de sus trabajos más destacados sea el diseño del vestuario de las tres últimas temporadas de Black Sails o, por supuesto, la primera temporada de “The Witcher”.

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A la gente le gusta inventarse monstruos y monstruosidades. Entonces se parecen menos monstruosos a sí mismos

Geralt de Rivia

Los personajes y su vestuario

Aunque cuando vemos este tipo de series fantásticas siempre nos viene a la mente La Edad Media, “The Witcher” se encuentra en una especie de mundo de fantasía paralelo, donde todo es posible, y la principal característica del trabajo de Tim Aslam en esta serie es aprovechar esa libertad para la hacer un mezclar referencias de alta costura actual con elementos de varios períodos históricos y étnias del mundo y con ideas de otras producciones cinematográficas.

 

Muestra de esto son los números moodboards* que desarrolló durante su proceso creativo.

Un moodboard o panel de tendencias consiste en un collage con imágenes, texto y muestras de objetos (tejidos, fornituras..etc) en una composición. En el mundo de la moda, los diseñadores utilizan habitualmente el moodboard para la preparación previa de una colección. Crean un gran collage lleno de inspiración visual basado en telas, colores, fotos, bocetos, texturas e incluso algunas imágenes de famosos que les ayuda como inspiración conceptual. Moodboard de moda.

Se hicieron innumerables trajes para la serie, muchos de ellos desde cero. El equipo de vestuario confeccionó alrededor de 250 conjuntos en total. El elenco principal tenía entre 7 y 10 trajes cada uno, mientras que el elenco menor tenía entre 140 y 150 en total, además de los trajes de los figurantes.

 

Un equipo de aproximadamente 130 empleados se centraron en crear trajes para los dobles de acción. Según Tim Aslam, el personal incluía 4 sastres principales, cada uno con su propio equipo de aproximadamente 7 personas, es decir, casi 30 personas cosiendo trajes.

Debido a que esta serie fue filmada en gran parte en Budapest, Hungría, Tim Aslam tuvo que planificar de antemano el diseño a distancia incluso antes de saber lo que podría implicar el diseño final.

 

Por esta razón, los compradores de vestuario hicieron todas sus compras de telas en el Reino Unido y Europa por adelantado. la mayoría de estos tejidos utilizados fueron telas de tapicería de alta gama, pues a Tim le parecían más interesantes que las telas normales de seda, algodón o lino.

 

Respecto a los tiempos que manejaban para confeccionar los trajes, algunos llevaron más de 2 semanas con 8 personas trabajando en diferentes artículos a la vez.

Geralt de Rivia

Uno de los mayores retos de la serie fue diseñar la armadura de Geralt, pues las expectativas sobre su apariencia respecto a los juegos eran bastante altas y además los lectores de las novelas también tenían en su cabeza una cierta imagen de cómo debía verse el protagonista.

 

Por un lado había que crear una armadura convincente para el personaje, que mostrara el aspecto feroz de Geralt, pero al mismo tiempo estar confeccionado para acentuar el físico de Henry y para que el actor pudiera ejecutar todos los movimientos complejos que requiere la serie (y más teniendo en cuenta que el propio Cavill realizaba la mayoría de sus escenas de acción)

Se tomaron como punto de partida las descripciones en los libros, en ellos la armadura es pesada y agresiva, con toques muy fríos y elementos de metal afilados, pero en el mundo real esa una prenda bastante inadecuada y potencialmente peligrosa para su uso por el actor en las escenas de batalla. De modo que la realizaron flexible y ligera, utilizando cuero de diferentes texturas y grosores, con costuras a mano y detalles intrincados, aprovechando el gran trabajo de tachuelas metálicas, para hacer alguna alusión al videojuego, como las muñequeras o las piezas del hombro. 

Un pequeño equipo de especialistas tardaba alrededor de 2 semanas en completar cada armadura.

 

 

Este tipo de  armadura de cuero negro no existió como tal en la Edad Media, pero sí tiene una base histórica tanto de los soldados romanos como de los uniformes samurais, sobretodo puede apreciarse en la superposición de piezas a modo de placas en los brazos y hombros.

Geralt es un personaje que siempre está luchando con diferentes monstruos por eso su traje y su armadura va desarrollando un mayor desgaste a lo largo del tiempo. (Esto nos da una pista en la serie con los saltos temporales) Pero durante su viaje, obtiene nuevas versiones consiguiendo trajes similares que se ajustan a sus necesidades, y todo esto es algo que tiene muy en cuenta el equipo de vestuario a la hora de planificar los trajes.

Tim Aslam mezcla elementos históricos con alta costura moderna. Como este detalle de la colección de Balmain 2014

Respecto a los pantalones, a lo largo de la temporada usa tres modelos, todos ajustados, con bragueta cruzada y 5 botones plateados sencillos.

 

El primer pantalón que vemos nada más empezar la serie es de ante, con unas piezas de cuero laterales decoradas con motivos geométricos. 

Esos mismos detalles se repiten en sus botas, planas con hebillas, y en los pantalones de cuero que le vemos después.

Por último, cuando conoce a Yennefer le vemos unos pantalones muy similares a los de ante, del primer episodio, pero en este caso tiene en los laterales unas tiras de cuero lisas.

Cuando se quita la pechera de su armadura le vemos siempre con la misma camisa negra de algodón, con tapeta cruzada y pespunteada de manera decorativa y una larga hilera de botones. En la espalda un canesú con costura vertical justo en medio.

Quienes hayan jugado a los videojuegos de The Witcher, especialmente a la tercera entrega, recordarán que Geralt portaba un gran colgante con una cabeza de lobo muy angulosa, casi estrellada. Sin embargo, en la serie podemos ver que el protagonista lleva un medallón redondo, plateado y con la imagen de un lobo grabado.

Lejos de las teorías conspiratorias de algunos fans que sostenían que sería para ahorrar presupuesto, la razón la encontramos en “El último deseo”, el primer libro de la saga de Geralt de Rivia, en el que se describe al detalle el colgante: “El desconocido rebuscó de nuevo dentro del caftán, extrajo un medallón redondo en una cadena de plata. El medallón tenía el grabado de una cabeza de lobo mostrando las fauces abiertas.” Resultando así ser otro elemento fiel a las novelas.

Tim Alam: Arte conceptual de la armadura de Geralt, haciendo uso de un fan art de Geralt para la cara

En los videojuegos vemos siempre a Geralt cargando con dos espadas, mientras que en la serie solo le vemos con una. Como en los libros sólo porta una espada en la espalda, mientras que la de plata la suele dejar junto a Sardinilla (excepto cuando debe usarla, claro está). 

 

Igualmente la vaina no es la clásica que vemos en los videojuegos sino que se trata de una específica para llevar en la espalda, seguramente sea más por comodidad a la hora de rodar ciertas escenas que por darle realismo, ya que llevar la espada a la espalda es muy poco aconsejable en un combate real.

Volviendo a las armas, tenemos dos espadas distintas: La de acero, que es la misma que lleva en la espalda y otra de hoja de plata, destinada a ciertos monstruos. La de acero es un arma más o menos realista. De hoja triangular, robusta y con un pomo no decorativo que permite una buena sujeción y rotación.» No obstante, la espada de plata no es tan realista en lo que respecta a su funcionalidad, tiene un estrechamiento de la hoja justo encima de los gavilanes. Ésto aporta fragilidad a la hoja. Un golpe bien dado y se parte [la hoja].

Para la serie se hicieron varias versiones de la espada de acero, una mas liviana, para el cuerpo a cuerpo, que si golpea por accidente a un actor no le cortará ni partirá un hueso, otra de goma para los movimientos realizados cerca de la cara, de manera que ni si quiera hubiera marcas de moratón sin hay algun fallo en la coreografía y una ultima partida, para esas escenas en que se corta una extremidad, para facilitar asi el trabajo de postproduccion para simular la espada atravesando esa extremidad de lado a lado

La daga y la espada de acero de Geralt, equipadas con runas a lo largo de la cuchilla y el broche de Renfri sobre la guarda cruzada

Tim Alam: Arte conceptual de Geralt en la corte de Cintra.

Para la chaqueta que lleva Geralt en Cintra durante el capítulo 4 Tim Aslam volvió a usar pinceladas de diseños actuales como este de Ashon Sylvester en su desfile de 2010, donde vemos grandes similitudes en los cortes de la prenda.

Yennefer de Vengerberg

Los ropajes de Yennefer son un espejo de su evolución en la temporada 1. La hechicera sufre la mayor transformación de la serie, tanto física como mentalmente. En el transcurso de ocho episodios, desbloquea el talento que siempre ha poseído, volviéndose más segura, resistente y poderosa con cada aparición. 

En los libros, Yennefer usa solo ropa negra, blanca y gris porque la falta de color de la ropa refuerza su fuerza y ​​habilidades Por lo tanto, fue un gran desafío para el equipo de vestuario diseñar prendas diferentes y de aspecto interesante con una paleta de colores tan limitada.

Inicialmente la encontramos en la granja con un aspecto muy pobre: ​​sus ropas son sucias, descuidadas y desaliñadas. Lleva prendas de lino y algodón en tonos grises y tierra y encima un delantal con tirantes cruzados que abrochan en la espalda y entalla la cintura con un nido de abeja en delantero.

 

Más tarde, cuando ingresa en Aretuza, cambia esas ropas por el uniforme azul.

Se trata de una doble prenda con un sobrevestido azul turquesa,con escote barco y doble pinza que parten desde el escote y luego abren bajo el pecho.

 

La sobre-manga, que apenas cubre el hombro, tiene decoraciones triangulares.La bajo-manga lleva varias costuras horizontales a lo largo del brazo y remata con un trabajo de vivos como el del escote.

 

Con el tiempo, Yennefer va desarrollándose como hechicera. Refuerza sus habilidades y gana confianza en sí misma. A medida que crece como personaje, sus elecciones de estilo cambian en consecuencia, mostrando su nuevo coraje y autoestima.

 

Y nos lo demuestra en la escena del baile en Aretuza. Yennefer elige usar este vestido en un acto de desafío cuando ha crecido completamente en sus habilidades para el Episodio3.

 

El vestido está realizado con innumerables tiras de cuero que han sido cortadas a láser, creando un efecto calado similar al de un encaje. De este modo se superponen sobre piezas plateadas que aportan un toque de luz desde debajo. Sobre la falda cruzan varias cintas de pedrería de color negro a juego con su brazalete.El escote es cuadrado y lleva sobre los hombros una pequeña torera de piel, decorada con piezas onduladas, también cortadas a láser y mangas con cortes que le aporta una sensación medieval a la prenda. Esta torera aparecerá de nuevo en el episodio 5.

 

Tim Aslam: Arte conceptual de Yennefer en el baile de Aretuza.

El abrigo largo del capítulo 4 está inspirado en la moda renacentista aunque tiene un toque contemporáneo. Está hecho íntegramente de tiras verticales de cuero, sujeto con pasamanerias negras y doradas. Tiene un amplio escote en V y mangas al codo, que permiten ver la ropa de debajo. Cierra con corchetes.

La hechicera lleva como prenda interna un top de seda de manga larga y cuello alto con nervios y falso corpiño (todo es una pieza) en tejido brocado que abrocha en la espalda con cordones.

 

También lleva unos pantalones anchos, del mismo tejido que el corpiño. Van cruzados en el delantero y por ello dan la impresión de una falda larga pero permiten un fácil movimiento para las escenas de acción. Todo es de color negro.

 

Ese mismo conjunto de dos piezas: blusa-top y culotte, se lo volvemos a ver en el capítulo 6 y en el 7 debajo de otros abrigos.

No hemos hablado del colgante con su símbolo, la estrella de obsidiana, que adorna su cuello con una gargantilla de terciopelo. En los libros, Yennefer a menudo toca su estrella de obsidiana cuando tiene una conversación. En los juegos, usa el collar en todo momento, lo que sugiere que es muy importante para ella y potencia su magia.

 

Aunque el colgante en los juegos presenta una estrella invertida de cinco puntas, el símbolo para el show de Netflix  tiene ocho puntas y desde su cambio físico se lo vemos en todo momento que está vestida.

 

El vestido que luce Yennefer al comienzo del capitulo 5 consta de dos piezas, corpiño y falda. Ambos en brocado negro.

El corpiño es ajustado con un profundo escote, que cubre con una pieza de tul transparente con una rejilla negra, dandole un toque muy gótico. Las mangas son ligeramente farol, con volumen de brocado en el hombro y ajustando con el tul desde el codo hasta la muñeca. 

En la espalda lleva un juego muy interesante de cortes horizontales cosidos por el centro que simula una espina. cierra en el lateral con cremallera invisible.

La falda tiene un leve evasee que luego abre con piezas de quillas. Cierra en centro espalda con cremallera y en las costuras delanteras tanto falda como corpiño están decorados con cintas bordadas.

Tim Aslam: Arte conceptual de Yennefer.

Aqui se aprecia muy bien el detalle del tul en el cuello.

 

Lleva la misma torera de cuero del episodio 3.

El vestido-jaula es el vestido que lleva Yennefer cuando conoce a Geralt por primera vez en la serie.

Está confeccionado en exactamente el mismo brocado negro del vestido anterior. De hecho, a excepción de las mangas, el corte del vestido es un 90% igual.

 

Todo el vestido está recubierto de cintas y correas, a modo de jaula, y es un reflejo muy evidente de Yennefer convirtiendo su situación como “prisionera” en un fetiche erótico que complementa con su máscara (y con el ambiente que la rodea).

Tim Aslam. arte conceptual de Yennefer con el vestido-jaula

El abrigo de piel, es una de las prendas más bonitas que llena la hechicera en toda la temporada.

 

Se lo vemos durante la caza del dragón y está realizado en ante blanco con dibujos grises de estilo shibori* y en cuello y puños va abrigado con pelo largo de lo que parece zorro plateado.

*El Shibori Se trata de una técnica japonesa de teñido, nacida en el siglo VII. Consiste en anudar, atar o doblar el tejido para evitar que ciertas zonas de la tela para absorban el tinte. La palabra Shibori significa retorcer, apretar o amarrar.

En la cintura abren 4 pliegues en el delantero y otros4 en la espalda que le aportan volumen en la zona inferior.

Debajo del abrigo lleva el mismo conjunto que vimos en el capítulo 4

En el capitulo 7 vemos como se vuelve a repetir una vez más el mismo conjunto de blusa y pantalón, con un abrigo que (eliminando las mangas) tiene el mismo corte que el que vimos de tiras en el capítulo 4. Las mangas son farol y a codo, dejando ver las prendas interiores y está realizado en un doble tejido de cuero negro cortado a láser con un fondo en crudo.

Y por último el vestido azul de cuerdas. Está basado en la moda renacentista, y a su vez tiene inspiración de Balmain y de vestidos artesanales de macramé.

 

Lleva un forro de algodón azul, y encima un elaborado trabajo de cuerdas que van anudandose y entrelazandose entre ellas. 

Diseño de Balmain de 2014.

Tim Aslam. Arte conceptual.

A pesar del elaborado trabajo de cuerdas que lleva este vestido, es la mayor muestra de que aunque la idea del diseño es espectacular, a la hora de la verdad la prenda, desgraciadamente, no luce como debería, creando un look muy pobre que Anya Chalotra defiende de manera increíble, consiguiendo añadirle valor a su imagen.

Tim Aslam realizó para Yennefer varias prendas que no aparecen en pantalla, o al menos no lo hacen de manera evidente. Como el vestido gris que vemos con solo una manga, que aparece ya acabado en una breve escena de Aretuza cuando la hechicera se mira en el espejo para decidir su cambio de aspecto, o la tunica azul que lleva puesta en esa misma escena.

Ciri de Cintra

Toda la estética de la ciudad de Cintra encarna una cierta nostalgia medieval.

 

Para Aslam la moda de Cintra debía lucir colores ricos y etéreos: Dorados, bronces, platas y joyas de colores, a parte de esto muchos de los ropajes se basaron en trajes eslavos medievales así como en el gótico de los años 1890 y 1930, dos décadas que comparten muchas similitudes entre sí. El diseñador hizo todo lo posible para que estos conjuntos acentuaran la naturaleza, el carácter, el estado de ánimo y la posición de cada personaje de esta ciudad.

 

El principal pilar de la estética de Cintra se basa en el  renacimiento gótico, también llamado neo-gótico o gótico victoriano, que fue un movimiento arquitectónico que (como su nombre indica) provocó a finales del siglo XIX un renacimiento del gótico medieval. A su vez, esto también influyó en el arte, la música, la literatura y la moda, apareciendo así el esteticismo.

Durante el esteticismo la moda desecha todas las prendas rígidas victorianas de la época para acoger ropas más suaves y cómodas basadas en la moda medieval. Los estéticos consideraban los corsés y la rigidez del día como poco atractivos y artificiales. En lugar de ello, las mujeres de este movimiento usaban vestidos largos y fluidos con pliegues suaves, tablas y frunces. Los ropajes ofrecían pocos adornos, a diferencia de las grandes decoraciones,volantes o trenzados que a menudo se ven en la ropa de mediados del siglo XIX. Fue, en esencia, una revolución de la moda.

 

Es en este momento histórico en el que aparecen los nuevos tintes químicos de anilina*, sin embargo los estetas continuaban usando los tintes vegetales, de modo que los colores eran apagados, con tonos naturales de marrón, terracota, rojo rojizo, azul cobalto o azul índigo y verde salvia o verde musgo.

*Hasta finales de la Edad Media todos los tintes eran naturales, traídos desde India o América. Debido a sus altos precios muchos químicos europeos se dedicaron a buscar un sustituto sintético pero no fue hasta inicios del siglo XIX que se consiguió,.con el descubrimiento de la Anilina. La posibilidad de producir a gran escala este compuesto desencadenó una serie de intentos por producir tintes sintéticos dando como resultado: colores fuertes que blanqueaban rápidamente y que ponían la calidad de los tejidos en entredicho. A raíz de su alta toxicidad las autoridades introdujeron fuertes penas para detener el uso de esos procesos y hoy en día los tintes de anilina ya no son utilizados aunque se utiliza el término anilina como sinónimo de “tinte” y “colorante”.

Cirilla o Ciri, como se la llama, es la única princesa de Cintra, la hija de Pavetta y la nieta de la reina Calanthe.

 

El vestuario de Ciri está pensado como muestra de su evolución personal a lo largo de toda la temporada.

 

La primera vez que la vemos está jugando con algunos niños, de manera despreocupada, dentro de los muros del castillo de Cintra. Va vestida de niño, con un simple jubón estampado con motivos geométricos  y calzas.

Justo después la vemos en la corte, vestida de tal manera que se nos posiciona a Ciri como una joven elegante y noble, la líder del futuro.

 

El vestido está hecho de terciopelo de seda gris con tornasolado púrpura, plisado a lo largo del corpiño, y tiene escote barco y mangas farol con pliegues de cartucho apretados en los hombros y manga larga ajustada.

1930s wedding dress

En la cena Siri lleva otro vestido de terciopelo en color verde oliva, con la misma silueta que el anterior, adornado alrededor del escote con una filigrana de cordón trenzado del mismo tejido.

 

La espalda va toda abotonada y las mangas hacen un juego de pliegues en la parte superior, creando un efecto de volumen en los hombros como en el vestido anterior y el resto de la manga va ajustada y larga.

 

Lleva el pelo completamente recogido y los mismos pendientes de la escena anterior.

 

Comenzando la serie como princesa y luego pasando la mayor parte de la temporada corriendo por su vida, Ciri se transforma por completo como personaje y el vestuario que Tim Aslam diseñó para ella es un reflejo de esto.

 

Después de su escape en el episodio uno, pasa el resto de la temporada con el mismo traje, que lentamente se vuelve tan desaliñado e indómito como ella misma.

 

El departamento de vestuario quería que su ropa representara su estado real, sin dejar de ser funcional para cruzar el campo. Por ello, Ciri usa falda-pantalon,  adornada con bandas anchas de tejido a contraste. es una prenda elegante que le permite moverse libremente mientras enfrenta su largo viaje para sobrevivir

En la parte superior vemos  un jubón con corpiño de tafetán en color bronce y cuello mao que abrocha en la parte central por una hilera de botones en metal agrupados de tres en tres. La prenda ajusta con doble costadillo al hombro y una pinza al pecho y tiene peplum con plisado plano.  Las mangas son a contraste, con tejido de brocado dorado con 5 nervios que entallan a lo largo.

 

El conjunto es funcional pero sigue siendo lo suficientemente bonito para una princesa 

Una de las piezas más características de la temporada es su capa azul, una prenda exterior que usa durante el resto de la huida. Esta capa con capucha ayuda a ocultar su identidad como princesa y el diseñador crea con ella un estilo que la  diferencia de todos los demás y transmite la mágica confusión  que experimenta en este mundo que le es ajeno.

La capa lleva mangas bombachas con puños anchos, y cierra en el escote con un broche lleva un delicado bordado vegetal tono sobre tono enmarcando la capucha, los hombros y la parte delantera de la capa.

Al ver el trabajo de Tim Aslam respecto a los tres protagonistas me surgen sentimientos enfrentados. Los trajes de Geralt y Ciri están resueltos de una manera impecable, creando una imagen de personaje en ambos casos realmente característica con sendos vestuarios, tanto la armadura del brujo, que ha sabido reinterpretar de una manera excelente, como con la capa azul de Ciri que, sospecho, se convertirá en una de las prendas mas reconocidas del cine.

 

Sin embargo, con Yennefer, he sentido que la creatividad del diseñador se ha quedado muy pobre, puesto el personaje exige trajes mucho más espectaculares que muestren su poder y su belleza, y sin embargo, las grandes ideas que se plasman en sus bocetos, se han quedado a medio camino a la hora de hacerlos realidad.

 

Y dicho todo esto la conclusion que saco es que es mas que probable que fueran los limites de tiempos y las múltiples localizaciones los causantes de condicionar para mal a Tim Aslam a la hora de poder realizar un buen trabajo como nos ha demostrado en sus anteriores producciones.